En este video aparecen 12 creadores de muñecas, 4 venezolanos y 6 extranjeros, 12 perspectivas en el mundo de la muñeca, abarcando lo contemporáneo y lo tradicional, las técnicas del siglo 21 y las técnicas ancestrales aplicadas a la contemporaneidad. Todos hacedores de muñecas hechas a mano.
Primero se vera la creación del artista australiano, RON MUECK, que no precisamente es un muñequero sino un escultor, pero que por la obra que presenta, se ha seleccionado para abrir el video, luego aparecen los franceses, JULIEN MARTINEZ, muñequero y artista plástico y BENJAMIN LACOMBE, dibujante y creador de historietas. Los dos han trabajado juntos en algunos momentos cuando Benjamin requiere dar forma tridimensional a algunos de sus personajes como Blanca Nieves, Alicia, o Frida. Seguidamente, el trabajo del ruso MIHAIL ZAIKOV, artista de muñecas de apariencia muy realista, luego JOSHUA MCKENNEY, norteamericano creador de la muñeca Pidgin, lanzada en 2012. Hasta el momento estos 5 creadores utilizan las nuevas tecnologías en el mundo de la muñeca, las resinas, los polímeros, el sistema bjd. A continuación el ruso DENIS SHMATOV, este creador se encuentra en la frontera de la técnica contemporánea y la técnica ancestral de la muñeca de trapo, haciendo un híbrido de las dos. Continúa el ucraniano VALERIY BONDARENKO presentando una muñeca de fuerte personalidad y expresión plástica, realizada con técnicas tradicionales de su región, con partes tallada en madera y cuerpos de tela rellenos. Para cerrar la participación extranjera tenemos a MISTER FINCH, artista autodidacta de Inglaterra, trabaja exclusivamente con la tradicional técnica de la muñeca de trapo, pero no presenta la muñeca de figura humana sino figuras de animales o vegetales. Entran los venezolanos, todos 4 trabajando la técnica tradicional de la muñeca de trapo, empezando con HENDRIK HIDALGO, artista plástico, de basta producción creativa, pintura, performance, instalaciones, tiene un aparte en el ámbito de la muñequería, como expresión de lo sagrado. A continuación EVELIO RODRIGUEZ, su proceso creativo a evolucionado radicalmente llevándolo desde la figuración histórica y tradicional hasta una expresión mas moderna y contemporánea. Aparece ALEJANDRO BAUTISTA, experimenta como muñequero desde el año 2011 a partir de un cuadro expuesto en su segunda individual en el MAVET, en su investigación creativa y personal, busca evolucionar la muñeca de trapo tradicional adaptándola a una figuración mas contemporánea. Y para terminar veremos un extracto de la obra del maestro ARMANDO REVERON a manera de homenaje a su memoria.
Todas las imágenes que aparecen en el video fueron descargadas de internet de sitios públicos.
En este video hago una síntesis de la evolución de la muñeca de trapo en Venezuela, los antecedentes que influyeron en su desarrollo, y algunos de los muñequeros y muñequeras que actualmente trabajan esta tradición ancestral y muy humana.
Penny Robinson fue un personaje de la serie de tv "Perdidos en el espacio", "Lost in space", en la década de los años 60; personaje interpretado por la artista británica Angela Cartwright.
Pidginette es el nombre dado a las seguidoras de la exitosa
muñeca Pidgin en los Estados Unidos, creación del artista J.D. McKenney. Pidginette del Sur es la muñeca de trapo (con extremos en cerámica) inspirada
en la muñeca Pidgin.
Pidginette es otro habitante más de la aldea global que es
el planeta, y que viaja virtualmente por el mundo, evolucionando y
retroalimentándose con los otros habitantes, nutriéndose y aportando
culturalmente, pudiendo ser un “ciudadano del mundo”.
(Cada pieza creada por mí, es única, no repetitiva, pues es
un trabajo manual y no un producto industrializado masificado).
PIDGINETTE
OF THE SOUTH
Pidginette
is the name given to the followers of the successful Pidgin doll in the United
States, creation of artist JD McKenney. Merida South Pidginette is the rag doll
(with ends in ceramics) inspired by Pidgin doll.
Merida Pidginette
of the South is another inhabitant of the global village that is the planet,
and virtually traveling the world, evolving and feeding back with the other inhabitants,
feeding and providing culturally, may be a "world citizen”.
(Each piece created by me is unique, non-repetitive;
it is an artistic craft and not a crowded industrialized product).
FLORA está inspirada en la diosa Flora del cuadro "La Primavera", pintado por Sandro Botticelli, en la época del Renacimiento.
“La Primavera” de Sandro Botticelli es del año 1482, y fue
realizada para Lorenzo di Pierfrancesco
de’ Medici.
La escena en un bosque formado por árboles de naranja y
frutos; con un cielo azul de fondo, se disponen nueve personajes, en una
composición que gira en torno al personaje central, una mujer con sábana roja,
quien es la diosa Venus. El suelo se compone por un prado formado por una gran
variedad de vegetales y flores.
Según la interpretación mitológica
los personajes se encuentran en el famoso jardín de las Hespérides: el primero
a la derecha es Céfiro, viento de primavera que rapta por amor a la ninfa Cloris,
embarazándola; de este acto la ninfa renace y se transforma en Flora, ósea la misma primavera representada como una mujer con un
vestido floreado y que propaga flores hacia la tierra.
Al centro del cuadro se encuentra Venus, símbolo
neoplatónico del amor más elevado, que observa toda la escena. Sobre ella vuela
su hijo Cupido. A su izquierda se encuentran las tres Gracias que están bailando,
Castitas, Pulchritude y Voluptas (Castidad, Pureza y Placer) es decir la vírgen, la esposa y la amante
. Aún más a la izquierda se nota
Mercurio, el mensajero de los dioses, representado con las alas en los pies,
que con el caduceo alejaba las nubes para tener una eterna primavera.
En cuanto a la interpretación filosófica, el primer crítico que puso el cuadro directamente en
relación con el círculo de filosóficos neoplatónicos frecuentaoa por Botticelli
fue Aby Warburg en 1893, quien leía la Primavera como la representación de
Venus después del nacimiento, durante la llegada a su reino. Segundo, para
Ernst Gombrich en la Primavera se narraría como el amor, en sus diversos grados,
llega a despegar al hombre del mundo terrenal para llevarlo al espiritual:
Zefiro y Clori representarían la fuerza del amor sensual e irracional, que es
fuente de vida (Flora) y, tramite la mediación de Venus y Cupido, se transforma
en algo más perfecto (las Gracias), para después emprender el vuelo hacia las
esferas celestes guiado por Mercurio.
Según algunas lecturas histórico-dinásticas de las obras ligadas al cliente, los personajes mitológicos de la pintura serían
las representaciones de personajes florentinos y de sus virtudes, como en un
desfile de carnaval, ya que parece que la obra fue inicialmente comisionada a
Botticelli por Giuliano de’ Medici en ocasión del nacimiento de su hijo Giulio
(futuro papa Clemente VII), nacido de Fioretta Gorini con quien se había casado
en gran secreto en 1478. Pero Giuliano falleció en la Conspiración de los Pazzi
tramada contra su hermano en el mismo año, un mes antes del nacimiento de su
hijo, por lo que el cuadro, aún sin terminar, fue “reciclado” por el primo
Pierfrancesco de’ Medici tiempo después para celebrar sus bodas, insertando su
retrato y el de su esposa Semiramide Appiani, de quien se decía tener una
belleza extrema.
Con base en otros retratos y pinturas de Botticelli, en los
varios protagonistas de la representación se individuaron varios personajes de
casa Medici: en particular en las tres Grracias se reconocían Caterina Sforza
(derecha) y Simonetta Vespucci (al centro), la fuente de inspiración para el
Nacimiento de venus, que observa soñadora a Mercurio-Giuliano de’ Medici.
En cuanto a la lectura histórica, según Horst Bredekamp, se
debería considerar la pintura como alegoría de la edad de Oro en época medicea.
La presencia de Flora sería una alusión a Florentia y entonces al antiguo
origen de la ciudad de Florencia. Las otras figuras serían ciudades ligadas en
diferentes maneras a Florencia: Mercurio-Milán, Cupido (Amor)-Roma, las Tres
Gracias como Pisa, Nápoles y Génova, la ninfa Maya como Mantua, Venus como
Venecia y Borea como Bolzano.
Otros estudios han hipotizado que la pintura sea una especie
de calendario rural abreviado de la bella estación: desde febrero (Zefiro)
hasta septiembre (Mercurio), en la esperanza de una Primavera sin fin. (Cita tomada de http://www.adgblog.it/)
PERSONAJE FICTICIO DE "100 AÑOS DE SOLEDAD" DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ
Remedios la bella:
Es hija de Arcadio y Sofía de la Piedad,
y heredó la belleza de su madre. Es la mujer más hermosa del mundo, pero cuatro
hombres encuentran la muerte al intentar violarla; es una persona inocente
durante de su vida. Su olor floral era inconfundible y desesperante; su
presencia trastornaba a los hombres de Macondo, no pertenecientes a la familia
y la plantación bananera. Dicen que tenía algunos poderes extraños ya que todos
los hombres que la querían morían. Una mañana, Remedios asciende en cuerpo y
alma al cielo ante la mirada de Fernanda quien siente envidia y se muestra
disgustada porque se lleva sus sábanas.
"La suposición de que Remedios, la bella, poseía poderes de
muerte, estaba entonces sustentada por cuatro hechos irrebatibles. Aunque
algunos hombres ligeros de palabra se complacían en decir que bien valía
sacrificar la vida por una noche de amor con tan conturbadora mujer, la verdad
fue que ninguno hizo esfuerzos por conseguirlo.
Tal vez, no sólo para rendirla sino también para conjurar
sus peligros, habría bastado con un sentimiento tan primitivo, y simple como el
amor, pero eso fue lo único que no se le ocurrió a nadie. Úrsula no volvió a
ocuparse de ella. En otra época, cuando todavía no renunciaba al propósito de salvarla
para el mundo, procuró que se interesara por los asuntos elementales de la
casa. "Los hombres piden más de lo que tú crees", le decía
enigmáticamente. "Hay mucho que cocinar, mucho que barrer, mucho que
sufrir por pequeñeces, además de lo que crees." En el fondo se engañaba a
sí misma tratando de adiestrarla para la felicidad doméstica,, porque estaba
convencida de que, una vez satisfecha la pasión, no había un hombre sobre la
tierra capaz de soportar así fuera por un día una negligencia que estaba más
allá de toda comprensión. El nacimiento del último José Arcadio, y su
inquebrantable voluntad de educarlo para Papa, terminaron por hacerla desistir
de sus preocupaciones por la bisnieta. La abandonó a su suerte, confiando que
tarde o temprano ocurriera un milagro, y que en este mundo donde había de todo
hubiera también un hombre con suficiente cachaza para cargar con ella. Ya desde
mucho antes, Amaranta había renunciado a toda tentativa de convertirla en una
mujer útil. Desde las tardes olvidadas
del costurero, cuando la sobrina apenas se interesaba por darle vuelta a
la manivela de la máquina de coser, llegó a la conclusión simple de que era
boba. "Vamos a tener que rifarte", le decía, perpleja ante su
impermeabilidad a la palabra de los hombres. Más tarde, cuando Úrsula se empeñó
en que Remedios, la bella, asistiera a misa con la cara cubierta con una
mantilla, Amaranta pensó que aquel recurso misterioso resultaría tan
provocador, que muy pronto habría un hombre lo bastante intrigado como para
buscar con paciencia el punto débil de su corazón. Pero cuando vio la forma
insensata en que despreció a un pretendiente que por muchos motivos era más
apetecible que un príncipe, renunció a toda esperanza. Fernanda no hizo
siquiera la tentativa de comprenderla. Cuando vio a Remedios, la bella, vestida
de reina en el carnaval sangriento,
pensó que era una criatura extraordinaria. Pero cuando la vio comiendo con las
manos, incapaz de dar una respuesta que no fuera un prodigio de simplicidad, lo
único que lamentó fue que los bobos de familia tuvieran una vida tan larga. A
pesar de que el coronel Aureliano Buendía seguía creyendo y repitiendo que
Remedios, la bella, era en realidad el ser más lúcido que había conocido jamás,
y que lo demostraba a cada momento con su asombrosa habilidad para burlarse de
todos, la abandonaron a la buena de Dios. Remedios, la bella, se quedó vagando
por el desierto de la soledad, sin cruces a cuestas, madurándose en sus sueños
sin pesadillas, en sus baños interminables, en sus comidas sin horarios, en sus
hondos y prolongados silencios sin recuerdos, hasta una tarde de marzo en que
Fernanda quiso doblar en el jardín sus sábanas de bramante, y pidió ayuda a las
mujeres de la casa. Apenas había empezado, cuando Amaranta advirtió que Remedios,
la bella, estaba transparentada por una palidez intensa.
-¿Te sientes mal? -le preguntó.
Remedios, la bella,
que tenía agarrada la sábana por el otro extremo, hizo una sonrisa de
lástima.
-Al contrario -dijo-,
nunca me he sentido mejor.
Acabó de decirlo,
cuando Fernanda sintió que un delicado viento de luz le arrancó las sábanas de
las manos y las desplegó en toda su amplitud. Amaranta sintió un temblor
misterioso en los encajes de sus pollerines y trató de agarrarse de la sábana
para no caer, en el instante en que Remedios, la bella, empezaba a elevarse.
Úrsula, ya casi ciega, fue la única que tuvo serenidad para identificar la
naturaleza de aquel viento irreparable, y dejó las sábanas a merced de la luz,
viendo a Remedios, la bella, que le decía adiós con la mano, entre el
deslumbrante aleteo de las sábanas que subían con ella, que abandonaban con
ella el aire de los escarabajos y las dalias, y pasaban con ella a través del
aire donde terminaban las cuatro de la tarde, y se perdieron con ella para
siempre en los altos aires donde no podían alcanzarla ni los más altos pájaros
de la memoria."
"Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca
pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad"
Frida Kahlo “es una obra de arte
en si misma”, pintora mexicana que rompió los moldes de su época, y cuya obra
tiene valores propios y eternos que van más allá de la comercialización actual
de su figura. Frida encarnó un nuevo tipo de mujer: autosuficiente, fuerte y de
características sexuales andróginas.
Hija del fotógrafo alemán Guillermo
Kahlo y de la mexicana Matilde Calderón. Nace en Coyoacán el 6 de julio de 1907
y muere allí mismo el 13 de julio de 1954. Estuvo casada con el célebre muralista
mexicano Diego Rivera, su relación consistió en amor, aventuras con otras
personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio
un año después. El nuevo acuerdo amistoso consistirá en vivir juntos, compartir
los gastos, continuar con la colaboración artística y excluir de su relación la
vida sexual de pareja.
Su vida estuvo signada por el
dolor. Padeció de poliomielitis en la infancia dejándole consecuencias de por
vida, y luego en 1925 sufrió un terrible accidente que le destrozo su cuerpo, y
fue sometida a unas 32 operaciones quirúrgicas a lo largo de su vida, asi como
al uso de corsés de yeso y de distintos
tipos, como asimismo diversos mecanismos de "estiramiento".
En 1953 en ciudad de México se
organizó la única exposición individual en su país durante la vida de la
artista. En una de las críticas se dijo: «es imposible separar la vida y obra
de esta persona...sus pinturas son su biografía». La exposición fue en la
Galería de Arte Contemporáneo. La salud de Frida estaba muy deteriorada y los
médicos le prohibieron concurrir a la misma. No obstante, llegó en una
ambulancia, asistiendo a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos
y los periodistas se quedaron impresionados. La cama fue colocada en el centro
de la galería y Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La
exhibición había sido un rotundo éxito.
Al analizar la temática, la
simbología y hasta la técnica de la obra de la artista, cualquier intento de
separar la vida personal de su obra resulta casi imposible. Se trata de
trabajos de sesgo muy personal y autobiográfico: Frida es sujeto y objeto de su
pintura. Difícil de clasificar unívocamente en una escuela, su obra se
caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas con una
temática popular.
Fue de las primeras pintoras que
expresó en su obra su identidad femenina desde su propia óptica de sí misma
como mujer, rechazando la visión de lo femenino que se dibujaba desde el
tradicional mundo masculino. Ella fue una de las que contribuyó en la formación
de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, como un
símbolo.
Hoy en dia, Frida es uno de los
iconos comerciales de México, símbolo del consumo capitalista, ella, que era
abanderada del comunismo. Se habla de una “Fridomanía”, una especie de moda de
la época que puede ser pasajera, en tanto que la calidad y obra de la artista
queda ahí para siempre.
No tanto por sucumbir a la “Fridomania”,
sino como un homenaje a la memoria de la artista, pues es un personaje muy rico
e interesante, he querido representarla en una de mis creaciones. Alejandro Bautista
El proceso creativo
En principio pinté las partes de cerámica, captando en lo posible los rasgos representativos de Frida, como lo son sus cejas y su mirada, luego construí el cuerpo de tela, relleno, tratando de guardar las proporciones que me dictaban las partes de cerámica.
Al final el carácter del personaje se acentúa con el vestuario y el estilismo, para lo cual es necesario un trabajo de investigación previo, que incluye también y lógicamente su biografía, para impregnarse del personaje.
Frida creo un estilo muy propio, que ha sido inspiracion para diseñadores contemporaneos como Jean Paul Gaultier y Ricardo Tisci. Basándose en las costumbres mexicanas, adoptó el traje tradicional tehuano "para estilizar su figura y construir su identidad mediante la discapacidad, la etnicidad, la moda y el vestido". Elige vestir con colores muy llamativos y telas ligera como sedas, algodón y encajes,ya que su delicado cuerpo no podia cargar con telas pesadas.
Enferma, dolorida, coqueta o combativa, son facetas que Frida impregno a su ropa como si una de sus obras se tratara.
"Me pinto a mi misma porque a menudo estoy sola, y es el tema que mejor conozco"
"Las dos Fridas" obra de la artista 1939
Un doble autorretrato, "cada Frida esta vestida de una
manera diferente, se dice que una representa a la Frida Europea y la otra a la
Frida mexicana; la europea muestra en su mano derecha unas dijeras, su vestido
blanco esta manchado de sangre, su corazón no esta completo; mientras que la
Frida mexicana tiene en su mano derecha un mini retrato de Diego Rivera, y su
corazón esta completo.
La primer impresión que nos da
esta obra es la dualidad de una mujer, es la doble visión que Frida tiene sobre
ella misma, que por un lado se encuentra fuerte y enamorada y por el otro tiene
el corazón completamente roto, en esta Frida se da a notar el dolor y el
sufrimiento que esto le causa ya que su vestido blanco se encuentra manchado de
sangre."
